製作人：張淯 社長｜文：林淑妙｜圖：擷取自IMDb｜責任編輯：林玟玟｜核稿編輯：邵正宏
我們總在面對死亡之事，而我也很快就要離去。沒關係，一切都會好的。安妮‧華達Agnès Varda電影，是一種表演、視覺及聽覺藝術，也是導演的私密視角，放到戲院後讓所有人跟著她小小的身軀，遊歷各個時空。安妮華達曾言：「我拍照，或者電影。或者將電影放到照片去，又或將照片放到電影去。」她塑造的女性角色，反映了真實女性的力量與掙扎，無須王子拯救於水火，也不用真愛的魔法，只求「我的身體、我的生命屬於我。」
已故法國新浪潮教母安妮華達（Agnès Varda）出生於1928年，在拍攝電影前曾是攝影師，而後逐漸對電影產生興趣，1954 年以《短角情事》作為生涯第一部劇情長片，故事背景發生在她生長的法國地中海小港塞特，獨特的敘事結構及低成本的製片方式，被視為法國新浪潮的先驅，也是少數的女性導演（甚至是唯一）。
跳脫傳統獨樹一格
安妮華達一生執導劇情、紀錄片和短片超過40部，以跳脫傳統的思維與前衛手法，橫掃柏林、威尼斯等各大影展，1985 年以《無法無家》（Sans toit ni loi）一片橫掃各大國際影展，獲獎無數，更於2015年榮獲坎城影展頒發肯定影史地位的「榮譽金棕櫚獎」，過去只有伍迪艾倫、柯林伊斯威特、柏納多貝托魯奇三位獲頒，安妮是首位榮獲該獎的女性得獎人；2017年再獲奧斯卡終身成就獎最高成就；《安妮華達最後一堂課》（又譯沙灘上的安妮）是她的遺作，「安妮」回顧了「華達奶奶」過去的作品，從攝影師、電影導演到裝置藝術家，她以特有的風格告訴全世界：這就是安妮華達。
安妮華達的創作類型與風格其實被歸類為「新浪潮左岸派」，通常這類電影相對沈重，但文學性也高一些，譬如像著重於國際情勢、格局文本較大的《廣島之戀》，就是這類風格電影的代表作。但安妮華達的作品卻屬於容易入門型的，其中被視為女性主義代表作《五點到七點的克萊歐》，雖然議題艱澀，碰觸了存在主義、死亡、絕望，以及法國社會如何看待女性，但她拍起來卻毫無笨重之感。
相較於「新浪潮右岸派」，作品風格較聚焦於個人主義、側重於生活較為瑣碎，推崇寫實感，主張電影該強調細節，讓生活走進電影。即便這兩種派別的風格迥異卻都引領了世界影壇，也是法國電影史上重要發跡的脈絡；縱使有時分界不是那麼清晰，最重要的是讓觀眾感受導演為影片帶來豐沛的創作力。
獨特視角詮釋議題
安妮華達在50年多前就玩起「真實時間等於電影時間」的同步遊戲，《五點到七點的克萊歐》主要描述一位女歌手下午五點到七點的奇妙經歷，親密而自由地探索了生活、死亡、女性等；整部影片基調輕快，以諸多瑣事（例如安潔拉在各種小細節上迷信，卻不惹人厭，反倒覺得可愛）和大量實景拍攝，塑造出獨特的巴黎魅力，巧妙呈現出法國女性主義的強烈女性觀點，和導演對當時政府及社會對死亡普遍恐慌氛圍的態度。
1968年5月法國發生學運所遺留下的革命思想，及1975年開始逐年攀升的失業率，新貧階級的出現衝擊以充分就業為目標的凱因斯福利國家（Keynesian Welfare State）都是《無法無家》（Sans toit ni loi）影片的構成要素，但華達並非單方面美化所謂的個人主義或自由主義，社會主義的崛起也不是我們以為「人類的正義感」的結果，而是社會（階級）對立以及隨之而來引發的鬥爭之結果，此片確立了安妮華達在世界影壇的地位，顛覆了女性在電影中呈現的形象。
1999年《艾格妮撿風景》（The Gleaners and I）為安妮華達最具代表性作品之一，她用自已的獨特視角研究並紀錄街巷中的「拾荒者」，其中有深陷貧困的流浪者，有利用廢物再創作的藝術家，亦有唐吉軻德般，抵抗消費社會生產過剩的生活實踐者等。此片也讓馬鈴薯成為撿拾者的象徵，更因本片的龐大迴響，安妮華達在2年後再度踏上撿拾之旅，拍攝出個人色彩更強烈的續集《艾格妮撿風景：兩年後》。
玩翻藝術展現內心
華達雖非科班出身卻執導逾40部影片，成就輝煌，她在今年 3 月 29 日因乳癌於巴黎家中逝世，留下遺作《安妮華達最後一堂課》（紀錄片）。
這次她將鏡頭轉向自己，對著聽眾、觀眾還有她生命中最重要的二個元素「沙灘」與「海」侃侃而談。她用一貫的幽默口吻分享她的電影人生，本片從「靈感」、「創作」、「分享」談起，包括《五點到七點的克萊歐》、《短角情事》、《幸福》、《千面珍寶金》等重要作品，觀眾在她的導引下一同盯著攝影機重遊她拍攝的那一刻，隨著她的敘述分析，不僅將自己剪進了她生涯裡重要作品的片段佐證，甚至聊到最愛的沙灘，想到可愛的鳥兒們，沙灘上就出現栩栩如生的鳥群，只不過那是紙板剪的，這就是安妮華達的影像魔法！
《安妮華達最後一堂課》的風格亦如安妮華達本人，風趣而迷人，這是部電影創作的活教材，她誠實地展示了一位偉大導演的內心世界，她喜歡拍攝身邊的人事物，也翻玩藝術，對人性與世界的看法比許多年輕導演還要勇敢大膽，她的一生始終獨樹一格。
